Textes


Article de Anne Clarck, JUNK PAGE #55, avril 2018
FORÊT NOIRE

Installée depuis peu en Périgord, Claire Chauvel aime à s’extraire du monde pour partir en forêt ou sur les berges d’une rivière. «Arpenter la nature, la contempler et la peindre, c’est ce que je fais dans la vie », confie-t-telle. Elle travaille le plus souvent ses toiles In situ. Son immersion dans le sentiment de la nature se transpose dans ses paysages. Elle y puise tout ce qui peut alimenter ses visions intérieures, son geste est rapide, intuitif, presque rythmique. L’artiste s’affranchie des carcans du réalisme pour se laisser guider par son intuition. La composition du tableau devient le lieu d’une expérience sensible.

A la galerie 5UN7, qui lui consacre une exposition personnelle, elle présente un polyptyque de 5 tableaux réalisés en Vendée, un lendemain de tempête dans un bois de pins. Claire Chauvel module la surface de ses toiles avec le rythme des branchages et de ses enchevêtrements avec la végétation de sous-bois. Les combinaisons de tons verts, clairs et profonds, plongent le spectateur dans l’épaisseur de cette forêt à la densité sombre et inquiétante.

Sur le mur d’en face, une vaste toile (6 m x 2,1 m) offre une vue sur les rives arborées d’un cours d’eau. Un peu plus loin une série de 15 petits formats font figure d’études préparatoires à la plus grande. Elle joue ici sur la répétition de mêmes motifs et alterne des toiles peintes sur site avec d’autres réalisées d’après souvenir. Il y a dans ses derniers l’expression du ressenti des émotions de l’artiste face à la nature. Le style se fait plus impressionniste, le reflet de l’eau, la lumière, les couleurs vacillent et chancèlent comme des touchent de sensation qui reviennent peu à peu en mémoire.


Texte critique de François Trahais
Exposition MONUMENT DU DÉLUGE, 04.2018
APRÈS LE DÉLUGE

Dans une correspondance vielle de tout juste cent ans, nous trouvons deux lettres inédites n’ayant jamais été publiées, l’une signée par André Derain et destinée à Henri Matisse, l’autre constitue la réponse de ce dernier à son ami. Ces manuscrits sont actuellement archivés à l’INHA (Institut National d’Histoire de l’Art) et seront bientôt transférés au Fond Henri Matisse à Paris.

À l’attention de : Henri Matisse
Hôtel de la Méditerranée
25 promenade des anglais, Nice

Le jeudi 12 décembre 1918
Mon cher Matisse,
Je vous écris depuis les Vosges. La guerre est enfin finie mais la grippe est étrangement meurtrière cet hiver. La révolution bolchévique pousse nos principaux mécènes à l’exil. Je me retrouve sans le sou et sans perspective créatrice. L’addition des ces fléaux me fait parfois douter du présent, le monde d’hier semble disparaître et ce déluge ne laisse rien que quelques survivants hagards.
Excusez cette lettre abracadabrante, je me laisse aller.
Poignée de mains.
A. Derain

Le dimanche 26 janvier 1919
Mon cher Derain,

Votre dernière lettre m’inquiète. Ne laissez pas la mélancolie vous envahir. Le déluge que vous décrivez n’est que dans votre esprit. Repensez à l’enthousiasme de nos jeunes années. Gardons de cette époque un souvenir mythique héroïque. Souvenez-vous, nous avons dépassé l’esthétique des Impressionnistes en exaltant toutes les couleurs, sans en sacrifier aucune, dans le souci de mieux servir notre expression. Avec Vlaminck, nous fûmes les « fauves » dont la Critique parisienne se moquait. Je n’aime pas le terme, vous le savez,mais, à postériori, je reconnais qu’il illustrait bien la violence de notre palette. Le déluge est passé, reprenez vos pinceaux mon cher Derain et imaginez la peinture de demain !
Cordiale poignée de main.
H. Matisse

La lecture de ces deux lettres révèle que le thème du « Déluge » et de son dépassement s’est imposé chez les anciens Fauves comme l’occasion de revenir à une avant-garde picturale basée sur l’exaltation des couleurs. Certes Matisse s’est ensuite orienté vers une palette plus nuancée et plus pastel, ce qui donne aux tableaux des années vingt et trente des tons plats et plus uniformes, mais si l’auteur de La Danse n’a pas suivi ses propres conseils, on peut imaginer que la deuxième lettre fut rédigée pour Claire Chauvel qui me confiait très récemment tout l’intérêt qu’elle porte aux écrits de Matisse et Derain. Aussi, les tableaux de la jeune artiste dépassent les leçons des Maîtres. De l’Impressionnisme, Caire retient le travail dit « sur le motif » tout encaissant renaître un certain Fauvisme dans sa palette. Ses tableaux s’inscrivent avec véracité dans la jeune tradition de la peinture expressionniste qui, depuis plus d’un siècle, resurgit périodiquement sous différents noms : Die Brücke, Der Blaue Reiter, Action Painting, Colorfield Painting, Bad Painting, Transavanguardia, Die Neuen Wilden…
Les paysages de Claire Chauvel sont expressifs, instinctifs et magiques.
C’est la représentation vivante d’une nature vivante !


Texte de Marc-Henri Garcia, Galerie 5UN7, février 2018

MONUMENT DU DÉLUGE, c’est par cet oxymore que nous avons choisi d’identifier la prochaine installation de Claire Chauvel au 5UN7 du 10 Mars au 07 Avril 2018.
Un Oxymore, une figure de style permettant la coexistence heureuse mais néanmoins surprenante de deux concepts que tout oppose. Il s’agit en l’occurrence d’observer la capacité des forces de l’élément aquatique à instaurer une réorganisation de la nature et de ses paysages tout aussi jouissive à l’oeil du peintre que impraticable à l’exploitation humaine.

(Leonard de Vinci …
« L’eau est la force motrice de toute la nature. »)

Quoi de plus intriguant pour un observateur fin de la nature comme Claire Chauvel que ce Monument du Déluge !

Cette force naturelle étrange, annonciatrice de la fin d’un ordre et cependant, vestige, pilier de l’organisation naissante des structures paysagères de demain.

Encore nous faut-il un témoin capable de traduire cette nature inquiétante, un témoin qui sache en décrire toutes les subtiles ruptures !

C’est au travers d’une oeuvre peinte sur le motif, à la frontière du réalisme et de l’impressionnisme que Claire Chauvel transmet ses moments passés en forêt, aux abords de la Dordogne.
Loin des préoccupations Data-istes de ce début de siècle, elle étudie sans relâche les limites de la représentation paysagère ; une quête menée sur le fil.
Une sorte de lien direct vers le ressenti puissant et disruptif perçu par la plasticienne dans la Nature. Au milieu d’une clairière, au fond d’une vallée, elle établit son observatoire discret. Le geste est réduit à sa forme essentielle tandis que les couleurs regorgent de lumières chatoyantes et de pointes acides. Il y a chez Claire Chauvel une volonté de sincérité dans la captation, une volonté qui se transmet à l’observateur par la subtile radicalité des choix opérés dans la représentation.

Figure atypique de la peinture contemporaine, diplômée d’art plastique à la Sorbonne, Claire Chauvel est à mon sens la digne héritière de la peinture paysagère Édéniste. Elle poursuit paradoxalement la recherche d’espace végétal peu, voire pas du tout, domestique dans un monde de plus en plus urbanisé. Elle se positionne presque comme une figure prophétique à l’aube de grands changements climatiques.

Claire Chauvel annonce fièrement le retour du Sauvage. Sa pâte laisse percevoir les tourments chères à Courbet, Monet, Cézanne, Derain.

Cependant elle sait aussi parfaitement réinventer le genre, elle synthétise en réduisant sa représentation à des formes et des couleurs brutales essentiellement expressives, s’inscrivant ainsi dans le monde de l’art le plus contemporain avec l’élégance d’une peinture qui n’est pas sans rappeler celle d’Alex Katz lors de son exposition « New Landscape » chez Thaddaeus Ropac en 2016.


Poème de Pedro Carmona
Exposition MONUMENT DU DÉLUGE, 04.2018

CLAIRE CHAUVEL ET L’INSTANT MAGNANIME

Le pinceau de Claire CHAUVEL est sauvage qui explose et dégorge l’accompli du vivant.
Elle offre ses secrets tendres et carnés en des lieux incertains qui savent l’au-delà
aux foisons sans enclos.
où la lumière glisse.son sourire d’enfant.
Ses couleurs invectivent, confrontent l’immanence.
La nature y dévoue, vivifiantes, ses nudités barbares.
D’une crue innocente, Claire CHAUVEL, gruge le sort du prévu orgueilleux que
sa palette accule à des sentiers inermes où s’épuise la vie.
Elle sait désarmer le savoir conquérant,
L’habitude vautrée.
Son alarme refuse d’une pulsion vitale où l’instinct enrichit sa sereine démarche.
Le quérir souverain pour unique bagage, Claire CHAUVEL, va traquer nos
mystères.


Interview de Ludmilla Barrand, directrice de Paris School of Arts and Culture, février 2016 : Claire Chauvel sur le motif.
Lire l’interview en anglais : psacparis.com/claire-chauvel/


Texte de Anne Malherbe, septembre 2015 :
Claire Chauvel, fragments d’un paysageIl existe une pratique du paysage en France, dans laquelle on distingue, selon les cas, une fascination pour certains lieux, le désir d’une relation avec la nature, la volonté de transcrire un territoire et en même temps d’y comprendre sa propre présence. On peut par exemple évoquer les noms de Jeremy Liron ou de François Génot. Ni simple enregistrement objectif ni pure quête intérieure, mais tresser l’un et l’autre étroitement ensemble : telle est la peinture de Claire Chauvel.

De l’atelier de l’artiste, installé en pleine campagne, près de massifs montagneux, sort quantité de vues. En réalité, « vues » n’est pas le terme juste. Ces peintures sont chacune un fragment pris à un ensemble qu’on n’embrassera jamais. Perçus de très près, parfois d’un peu plus loin dans la tentative d’en cerner une zone autonome, ces morceaux de nature ne sont pas à proprement parler des « paysages », au sens de ce qui s’offre à la circonspection du regard. On ne pourrait pas non plus employer ce terme pour la grande installation — Immersion — que Claire Chauvel a récemment présentée au Centre d’art contemporain de Lacoux. Le paysage implique en effet une profondeur, le sentiment qu’on peut y avancer, ce qui est rarement le cas ici. La nature est perçue par masses. Immersion se présente presque comme une coupe : ici, le paysage se construit pas à pas, cartographié à l’échelle 1, mesuré en même temps que représenté.

La lumière ne modèle pas ici le paysage, qui ne se construit pas selon un plan établi au préalable, mais par la distribution interne de couleurs. On peut d’ailleurs discerner dans cette pratique le lignage de Cézanne. Certaines zones se renfoncent dans leur propre obscurité tandis que d’autres s’avancent, fortes de leurs couleurs claires. On peut remarquer à quel point le ciel et le sol sont lisses, sans aspérité : ils s’abstraient ainsi des particularités du lieu et servent en quelque sorte de fond neutre destiné à recevoir les pulsations végétales notées, elles, d’une touche plus véhémente. Les rochers, dans leur absence de pittoresque, tiennent alors lieu de balises.

Pourtant, ce fond (nocturne quand le paysage se resserre, diurne quand il s’ouvre) passe souvent devant le motif végétal comme un rideau. La matière bleue, débordant sur ce qui devrait être un premier plan d’herbages, crée l’incertitude sur ce qu’on voit : anfractuosités, fourrés, trouées, ciel ou lacs ? ou peinture pure ? L’objet de la vision ne peut plus être catégorisé par le cerveau. C’est à des sens plus primordiaux qu’il est fait appel.

La difficulté à saisir définitivement l’image et le mystère de la nature nourrissent la quête picturale. C’est la recherche d’un rythme qui permet de créer finalement un lien avec la nature, lorsque la pensée se dissout. L’artiste traque donc quelque chose comme un battement fondamental, à travers une touche rarement sereine, cherchant sans relâche à dégager le paysage de tout ce qui le masque. Mais la quête est infinie : un angle-mort, à chaque fois, subsiste, exigeant la poursuite de la territorialisation, autant intérieure qu’extérieure.


Cécile Bourgoin-Odic, commissaire de l’exposition « La réplique des images », février 2013 :
« S’intéressant au paysage comme lieu de la représentation par excellence, Claire Chauvel peint de grands tableaux, conçus comme des décors de théâtre et dans lesquels elle développe sa recherche sur l’ambiguïté des images : elle joue avec les différents plans, les sources de lumières (artificielles et naturelles), les couleurs, le plus souvent irréelles.
Elle poursuit actuellement un travail axé sur le dessin. « Fonctionnant en carnet », comme elle le dit, elle fait des croquis d’après nature, sur lesquels elle revient constamment. Elle utilise toutes sortes de feutres et de stylos noirs, qu’elle fait fuser d’une page à l’autre. A partir des tâches colorées ainsi obtenues, elle compose sans cesse de nouvelles images.
Dans l’exposition «La réplique des images», elle nous présente « Praha ». Dans cette série, les dessins au marqueur et au stylo bille du carnet ont été agrandis, imprimés puis totalement retravaillés. Les pistes se brouillent : on ne distingue plus le croquis initial de ses retouches. Elle ajoute des motifs puisés dans s d’autres lieux. Faisant disparaître des éléments, confondant les plans, elle organise un nouvel espace totalement inventé.
En contre point, une petite installation met en scène trois petits dessins de la série « le double ». Il s’agit de petites pages du carnet de croquis au feutre noir dont les encres diluées au fixatif ont traversé la page. Sur l’envers, partant des douces nuances de bleu, de vert, et de violet des encres décomposées, Claire invente de nouveaux territoires flous et fantomatiques, une autre réalité. »


Enrico Castronovo, critique d’art et critique littéraire, août 2012 :
« Il faut entrer dans les dessins de Claire Chauvel avec la soumission passive et la disponibilité à l’émerveillement requises pour entrer dans le souvenir. Il faut accepter de se laisser embarquer vers l’autre rive pour voir surgir une réalité insoupçonnée à partir d’une tâche d’encre ou d’un trait de marqueur.
Il faut avoir le regard qui perce, comme les acides et les encres percent le support martyrisé – sanctifié – pour avoir accès à la couche de signification secrète que les images de Claire Chauvel referment dans leurs écrins transparents.
Des coulures d’encre, des dissolutions du papier, le support et le matériel se crispent presque sous nos yeux. La responsabilité de l’artiste s’efface, laissant le champ ouvert à d’inquiétantes batailles chimiques. Le résultat de ces exsudations laborieuses : des tableaux étrangement vivants à l’allure minérale, que l’on soupçonnerait volontiers non-faits-de-main-d’homme.
Et pourtant, tout l’imaginaire de Claire Chauvel est là en filigrane. Le paysage urbain peu à peu corrodé par une nature malveillante et, surtout, la figure humaine à peine reconnaissable, saisie dans l’éclat de son paradoxe, à la lisière entre sa divine singularité et son effacement consentant dans l’indistinction ambiante.
Il y a aussi cette idée de frustration scopique avec laquelle Claire Chauvel aime jouer, comme elle ferait un croche-patte au visiteur de son exposition. Mais un croche-patte qui serait aussi un appel du pied, invitant le voyant frustré à chercher plus loin, à suivre le fil qui va le sortir indemne de ce labyrinthe de la vision.
C’est à un véritable exercice critique que nous invite l’artiste, elle nous pousse – gentiment – à voir la réalité seconde cachée dans les apparences évidentes, à choisir ce que nous souhaitons voir dans la carte des possibilités iconiques, à nous déplacer autour de son dispositif artistique pour trouver le sens, pour trouver notre place de spectateurs actifs. Comme pour affirmer, une fois de plus, que l’art est dans le regard de celui qui le cherche. »